Vergängliche Kunst und dauerhafte Wirkung
Manchmal hinterlassen die vergänglichsten Dinge den dauerhaftesten Eindruck. Seit jeher wurden Künstler vom Konzept des Vergänglichen in der Kunst inspiriert – das Vergängliche soll nicht für die Nachwelt bewahrt werden, sondern nach kurzer Zeit verschwinden – vom Winde verweht oder von den Wellen davongetragen. Zeitgenössische Künstler schätzen das Vergängliche in der Kunst heute mehr als je zuvor und zelebrieren sowohl die Befreiung, die es bietet, als auch die symbolische Wirkung, die nach einem Augenblick schon wieder unsichtbar geworden ist. Von wegweisenden Land-Art-Künstlern, die mit der glazialen und vorübergehenden Schönheit von Eis und Sand arbeiten, bis hin zu einzelnen zeitgenössischen Kunstwerken, die nach ihrer Vollendung und Dekonstruierung nie wieder nachgebildet werden – der anhaltende Reiz vergänglicher Kunst fasziniert, inspiriert und verblüfft.
Wenn man sie in situ erlebt, erlaubt vergängliche Kunst dem Zuschauer, Orte auf eine völlig neue Art und Weise zu erfahren und vermittelt eine kraftvolle Botschaft über die Vergänglichkeit der Natur in der Welt, in der wir leben. Indem die Flüchtigkeit eines Kunstwerks – und allem, was es umgibt – betont wird, erhalten sowohl Künstler als auch Betrachter Zugang zu einem vielschichtigen Symbolismus und einer facettenreichen Signifikanz. Das Kunstwerk, die Materialien, aus denen es besteht, und der Ort, an dem wir ihm begegnen, sind bloß Momentaufnahmen in der Zeit, die sich schon bald verändern oder komplett verschwinden. Von da an existieren sie nur noch in unserem kollektiven Gedächtnis.
Während ephemere Kunstwerke am häufigsten mit der Kunstsprache des 20. und 21. Jahrhunderts in Verbindung gebracht werden, liegen ihre Ursprünge in esoterischen Traditionen längst vergangener Zeiten. In der Tat könnte die meditative Kunst der Mandalas, die in den visuellen Kulturen des Ostens einen besonderen Platz einnehmen, als frühes Beispiel dienen. Sobald die Mandalas, die oft aus farbigem Sand bestanden, fertiggestellt waren, wurden sie in alle Winde zerstreut. Man glaubte, dass die Bedeutung des Kunstwerks im Schöpfungsakt selbst lag – und nicht im fertigen Produkt.
Moderne vergängliche Kunst hat ihren Ursprung in den Kunstszenen von Berlin und New York der 60er-Jahre. Joseph Beuys und seine Fluxus-Gruppe, eine einflussreiche DIY-Kunstbewegung, die Happenings und disruptive Performancekunst inszenierte, glaubte, dass Kunst außerhalb von Galerieräumen erlebt werden sollte. Ihr Vermächtnis ist in zahllosen temporären Ausstellungen unter freiem Himmel zu spüren und bringt die Menschenmengen zum Staunen darüber, wie Räume verwandelt werden können. Beispiele wie Fujiko Nakayas Fog X FLO, in dem amorphe Nebelwolken durch Stadtzentren und Naturschauplätze ziehen, führen die Essenz des Vergänglichen zu ihrer logischen Schlussfolgerung und zu beeindruckender Wirkung.
Land Art gehörte zu den ersten Kunstbewegungen, die die Vergänglichkeit als ihre Daseinsberechtigung hervorhoben. Sie spielt mit Ideen von Erinnerung, Wachstum und Abnutzung – alles Begriffe, die unter die Naturgewalten fallen und durch beeindruckende vergängliche Kunstwerke in den Fokus gerückt werden. Unter den berühmtesten Vertretern der Land Art ist Andy Goldsworthy, dessen Kreationen auf intime Art und Weise mit ihrer umliegenden Landschaft interagieren. Seine Skulpturen, die häufig an Mandalas erinnern, nutzen Eis, Schnee, Laub und andere Naturmaterialien, die nach kurzer Zeit schmelzen, davonfließen oder -fliegen.
Andere Vertreter der Land Art verwenden vergängliche Materialien und Umgebungen, um das Spektakel der Dimensionen zu erforschen und regen zum Nachdenken an, darüber, was Kunst ist und was Kunst sein kann. Michael Heizers Kunstwerk Double Negative (1969) ist ein monumentales Beispiel hierfür und es erforderte den Bau eines 500 Meter langen Grabens entlang einer Felsenschlucht. Die natürliche Erosion veränderte das Werk nach seiner Vollendung und verlieh ihm so eine vergängliche Natur. Heizer selbst sagte sogar, dass das ursprüngliche Kunstwerk schon mit dem ersten verrutschten Sandkorn nicht mehr vorhanden war – und dass es sich so für immer verändern würde.
Heutige Künstler lassen sich vom Erbe Goldsworthys, Heizers und anderer inspirieren und verwenden vergängliche Aspekte der Skulpturen, um die Fragilität und Flüchtigkeit der Natur hervorzuheben. Olafur Eliassons Kunstwerk Ice Watch (2018), bei dem zwölf Blöcke Gletschereis an öffentlichen Plätzen aufgestellt wurden, wo sie langsam schmolzen, stellt ein wunderschönes Beispiel für künstlerische Vergänglichkeit dar. Es traf den richtigen Ton – sowohl visuell als auch mit seiner wirkungsvollen Botschaft.
Die heutige vergängliche Kunst reflektiert sowohl konzeptionell als auch materiell die Zeit, in der wir leben. Künstler standen schon immer in der Verantwortung, der Gesellschaft einen Spiegel vorzuhalten und die Realität, die wir alle teilen, hervorzuheben. Vergängliche Kunst stellt für ihre Betrachter eine tiefgreifende symbolische Bedeutung dar. Ein solches Kunstwerk mit eigenen Augen zu sehen verleiht dem Betrachter ein Gefühl des Privilegs und stellt eine kostbare Momentaufnahme dar.
In diesem Sinne besitzt vergängliche Kunst oft von Natur aus etwas Spektakuläres, eine Gelegenheit für die künstlerische Freiheit, etwas zu erreichen, was bei einer Dauerausstellung nicht möglich wäre. Der zeitgenössische slowenische Künstler JAŠA erhielt eine Carte Blanche für die Umgestaltung des Innenraums eines gesamten Hotels. Er hatte ein Jahr Zeit, bevor das Hotel professionell renoviert wurde. Sein anarchistischer Ansatz und seine einzigartig persönlichen dekorativen Ausschmückungen fügten sich zu einem atemberaubend immersiven Kunstwerk zusammen, das jeden einzelnen Raum als seine Leinwand nutzte. Ähnlich funktionieren Cai Guo-Qiangs Lichtinstallationen, die den Himmel für den Bruchteil einer Sekunde erhellen und so spektakuläre visuelle Ereignisse produziert, die nach einem Moment schon wieder verschwunden sind.
Martin Hill, ein Umweltkünstler aus Neuseeland, kreierte eine Skulptur, die sich in einem See spiegelte, indem er die Technik der Kompression und der Spannung nutzte, um nur mit den essentiellsten Materialien die stärkste Form zu erschaffen.
In ihrem Wesen betont die ephemere Kunst die Art und Weise, in der wir Kunstwerke aller Art erleben, wobei ein wichtiger Aspekt hervorgehoben und in den Vordergrund gestellt wird. Wenn wir etwas sehen, das ein Gefühl des Staunens hervorruft oder das wir für schön oder tiefgründig halten, existiert die Wirkung zunächst im gegenwärtigen Moment, um dann in der Erinnerung bewahrt und durch Reflexion verstärkt zu werden. Vergängliche Kunst ist im besten Fall genau diese Essenz, die verkörpert, erforscht und verfeinert wird.
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