BAUHAUS의 100년
Bauhaus처럼 막대한 영향력을 지닌 예술 운동을 찾아보기도 어렵습니다. 이후 ‘Bauhaus’라는 명사 및 형용사는 누구에게나 잘 알려진 단어로서, 언급만으로도 높이 솟은 고층 건물과 고유의 폰트, 대담한 건축 미학과 미니멀한 가구, Bauhaus의 정체성을 뚜렷하게 보여주는 다양한 디자인 특징들을 바로 떠올리게 됩니다. 현대 미술의 창시자인 바실리 칸딘스키를 비롯해 Bauhaus를 공부한 예술가들은 새로운 시대에 어울리는 회화를 창조하고, 우리가 알고 있는 문화를 재구성할 완전히 새로운 시각 언어를 만들어내기 시작했습니다. Ludwig Mies van der Rohe와 같은 저명한 Bauhaus 건축가들은 인도 찬디가르, 시카고, 텔아비브 등 세계 전역에 Bauhaus의 영향력을 전파했으며, DIY 조립 가구부터 오늘날 스마트폰의 미니멀리즘 미학까지 어디에서나 Bauhaus 스타일이 스며있는 것을 볼 수 있습니다. Bauhaus 운동은 그 디자인에서 뿐만 아니라 학파적인 구상에서도 미래를 장식하는 상징이 되었습니다.
독일 바이마르 공화국(1919~1933년)에서 창립된 Bauhaus는 새로운 산업 분야를 아우르는 미학을 형성하려는 유토피아적 목표를 가지고 예술성과 장인 정신 사이의 장벽을 무너뜨리는 역할을 수행했습니다. Bauhaus 운동은 실험과 협업을 통해 발전하고, 지속적인 결과물과 폭넓은 견해 및 반응을 바탕으로 20세기 중반부터 오늘날에 이르는 역사가 되었습니다. 이 예술 운동이 경멸과 찬양, 오해와 배척을 모두 겪은 후 마침내 주류로 받아들여진지 수십 년이 지난 지금, Bauhaus 100주년을 맞아 Bauhaus 예찬론자들과 비평가들은 이제 한 세기에 걸친 Bauhaus의 영향력과 혁신을 조명할 수 있게 되었습니다. Bauhaus의 우아하고 단순한 선과 삭막함이 느껴지는 흰색 외관 아래에서 우리가 살아가는 방식을 구성해온 진정한 영원함을 발견할 수 있습니다.
대담성과 집요함을 가지고 완전히 새로운 질서를 이룩한 Bauhaus지만, 이 운동의 토대가 된 혈통과 유산의 흔적을 찾는 것이 불가능하지는 않습니다. Bauhaus의 창립자이자 프러시아 건축가인 발터 그로피우스는 Bauhaus 운동이 주창하는 기술적 지식과 예술적 능력에 동등한 가치를 두는 방식은 이전의 Jugendstil 운동 및 그보다 수십 년 전에는 영국 예술 및 공예 운동의 접근법에 기반을 두고 있다고 주장했습니다. 실용적 목적으로 사용되는 순수 예술을 추구하며 참신한 접근법을 선보인 Jugendstil은 후에 Bauhaus의 핵심 교리로 활용되는 몇 가지 중요한 측면을 구체화했습니다. Jugendstil 예술가들은 특히 건축 디자인부터 무대 세트, 광고부터 전통적인 캔버스에 이르는 모든 창조적 작업에서 협력을 통해 재능을 발휘한 것으로 알려져 있습니다.
Bauhaus의 기반을 형성한 또 다른 중요한 운동은 Wiener Werkstätte 입니다. 공방의 공동 설립자이자, 특유의 단색이 돋보이는 가정용품과 독특한 의자 디자인으로 잘 알려진 오스트리아의 도예가 Josef Hoffmann은 순수 예술과 소비재, 산업 디자인 사이에 존재하는 경계선이 생각만큼 확고한 것이 아님을 분명히 보여주었습니다. 누구든 Bauhaus의 유산을 좇아온 사람이라면 Josef Hoffmann의 재능과 비전이 Bauhaus의 접근법과 미학을 형성하는 데 있어 중요한 역할을 담당했음을 확인할 수 있을 것입니다.
그로피우스가 독일과 함께 주도한 도시 프로젝트 및 협업을 통해 Bauhaus는 단순한 접근법, 콘셉트, 미학을 넘어 물리적 공간으로서 창조될 수 있었습니다. 데사우 시는 새로운 아이디어, 독일에서 발생한 디자인 양식, 예술과 기술적 우수성을 상징하는 새로운 중심지에 대한 기대에 부풀어 Bauhaus 학교를 설립하기 위한 토지를 제공했습니다.
학파의 기본 목표는 모든 예술 분야 사이의 경계를 완전히 허물고, 순수 예술과 ‘공예’를 이분하는 사고 체계를 무너뜨리는 것이었습니다. 그로피우스는 창립 선언에서 “모든 체계를 통합하는 새로운 믿음의 결정체로서, 백만 노동자의 손을 통해 하늘 높이 올라갈 미래의 새로운 건물”을 지을 것임을 선포하며, 크로스오버의 개념을 이전에는 상상조차 할 수 없던 수준으로 끌어올렸습니다. 이러한 정신은 헝가리의 사진작가이자 Bauhaus의 가장 유명한 예술가 중 한 명인 Moholy-Nagy를 통해 뚜렷이 확인할 수 있습니다. 그의 작품에서는 탁월한 기술성과 자유롭고 거칠 것 없는 카메라워크, 전통적인 조소, 개념적 예술이 전혀 새로운 방식으로 완벽하게 조화를 이루고 있습니다.
그로피우스가 주창한 비전은 Bauhaus 디자인의 현대주의 건축 양식을 통해 가장 잘 알려져 있으며, 학교는 얼마 지나지 않아 역사 속으로 사라졌음에도 남아있는 예술적 유산은 현재 우리의 눈길이 닿는 모든 곳에 스며있다고 해도 과언이 아닙니다. 실제로 Oskar Schlemmer 등의 판화가들과 예술가들이 선보인 명백한 Bauhaus 스타일의 과감한 선과 색의 사용은 슈퍼마켓, 책 표지, 식료품 포장, 자동차 실내 디자인, 고급 브랜드, 도로 표지판, 주방용품 등에서 찾아볼 수 있습니다. 또한, Bauhaus의 협업 정신과 그 미학의 기본 원칙은 지금도 계속해서 그 영역을 넓혀가고 있습니다.”
Bauhaus는 예술적 능력이 번성하려면 탁월한 기술성이 항상 뒷받침되어야 한다는 믿음을 중심으로 발전했습니다. 우리 주변에서 흔하게 찾아볼 수 있는 증거들로 이러한 신념이 옳았음은 확실히 입증되었지만, 1930년대 독일의 국가 사회주의가 발흥하면서 Bauhaus 학교는 오래가지 못했습니다. 제2차 세계대전으로 인해 Bauhaus 이데올로기의 방향이 바뀌었을지는 몰라도, 그 가치는 여전히 빛을 잃지 않고 호소력과 영향력, 논의를 촉발시키는 힘을 발휘했습니다. 20세기를 지나는 동안 예술적 미학과 건축 디자인은 Bauhaus를 대중에게 각인시킨 여러 작품들에서 영감을 얻거나 눈에 띄게 비슷한 양상을 띄었으며, 20세기를 지나 21세기로 들어선 지금에도 이러한 추세가 계속 이어지고 있습니다.
Bauhaus가 시대를 초월해 어필할 수 있는 주요한 이유 중 하나는 예술과 디자인에 대한 유럽식 접근법이 아닌, 세계적인 현상으로 발전했다는 점에 있습니다. 1930년대에 Bauhaus의 창조적 비전을 억누르려 했던 독일의 노력으로 인해 Bauhaus가 오늘날 우리가 알고 있는 세계적인 역사로 발돋움할 수 있었다는 것은 아이러니한 일입니다. 1930년대 후반에 이르러 시대를 역행하는 당대 독일의 예술 문화에 환멸을 느낀 초기 Bauhaus 예술가들 대다수가 미국으로 이주했고, 얼마 지나지 않아 그들의 천재성이 뉴욕 예술계에서 주목받기 시작했습니다. 1938년에는 MoMA에서 Bauhaus 전시회를 개최하면서 예술, 건축, 디자인 분야에서 세계적인 현대주의 운동으로서의 Bauhaus의 위치가 더욱 공고해졌습니다.
20세기에 가장 큰 영향력을 발휘한 예술 운동이 시작된 지 100년이 지난 지금, 역사에 기반한 통찰력을 바탕으로 하는 전체론적 관점에서 Bauhaus를 살펴보면 어떤 결론을 내릴 수 있을까요? Bauhaus 학파와 그 작품이 보수적인 당시 사회에서 분노를 일으켰다는 점에는 의심의 여지가 없습니다.
그러나 Bauhaus가 시작된 지 100년이 지난 지금에 와서 돌아보면 흔히 주장되는 바와 달리 Bauhaus 운동과 그 학파가 기존 예술의 우아함을 전혀 위협하지 않았으며, 소규모 집단의 모더니즘적 비전을 위한 매니페스토로 그치지도 않았다는 사실을 알 수 있습니다. Bauhaus는 풍부한 창조적 에너지, 신념을 향한 진정한 용기, 습득할 수 있는 기술을 천부적인 예술적 재능만큼 중요시하는 운동과 관련되어 있습니다. 이러한 의미에서 Bauhaus는 상업적 생산과 문화 생활의 모든 측면에 영향을 주었으며, 이후 예술 운동뿐만 아니라 다양한 산업 및 지구상의 거의 모든 나라에 그 흔적을 남겼습니다. 모든 사람의 주머니 속에 들어 있는 스마트폰부터 거실을 장식한 예술품, 우리가 생활하는 가정과 도시에 이르기까지, 우리는 모두 Bauhaus에서 영감을 받은 세상에 살고 있습니다.
형태와 기능의 대화에서는 단순한 것이 훌륭한 것입니다. La Prairie의 용기 디자인에서 볼 수 있는 기하학적 형태와 색의 경제성은 Bauhaus의 특징적인 깔끔하고 미니멀한 라인, 추상적인 형태, 순수하고 강렬한 톤이 서로 어우러지는 상호 보완적인 조화에서 영감을 받았습니다. 상징적인 스킨 캐비아 럭스 크림의 디자인은 이러한 철학을 완벽하게 구현했습니다. 고급 제형이 담긴 용기는 활성화 시스템을 갖추고 있어 더욱 향상된 경험을 선사하며, 그 외 용기는 단순함 속에서 우아함이 느껴지는 절제된 디자인을 선보입니다.
