몬드리안 미학의 유산
피에트 몬드리안은 가장 엄격하고 정밀한 범위 안, 그리고 자신을 예술의 가장 순수한 본질과 가장 근본적인 구성 요소에만 한정시킴으로써 걸작의 탄생을 위한 규칙을 완전히 새로 써냈습니다. 그의 선구적인 추상화와 구성은 20세기를 형성하고, 그의 미학은 예술계와 창조 산업의 모든 곳에 영향을 미쳤습니다. 이는 우리가 시각문화에 접근하는 방식까지도 바꾸기에 충분했습니다.
그의 젊은 시절 네덜란드 목가적 회화에서, 포스트 인상주의와 큐비즘에 대한 개인적이고 우상파괴적인 해석을 거쳐 몬드리안의 예술적 진화는 파리로의 여정과 더불어 이루어졌고, 자아에 대한 그의 탐구도 시작되었습니다. 1914년까지, 그는 그만의 적나라하고 특별한 미니멀리즘을 나타낸 그림을 제작하고, 그의 남은 긴 생애 동안 그가 이뤄나갈 시각 분야에 많은 공들였습니다.
몬드리안은 자신의 작품 창조 대한 질문에, 선과 색의 순수함이 만들어내는 감정에만 초점을 맞췄다고 대답했습니다.
몬드리안의 작품들이 주는 영향은 즉각적이었으며, 유럽 전역의 아연도금 예술가들과 예술 운동 활성화의 기초를 다지는데 큰 영향을 끼쳤습니다. 실제로, 그 작품들은 거의 즉각적으로 가장 인정받는 예술적 민화들 중의 하나를 만들어냈고, 이는 종종 모방되기는 했지만 완벽한 모방은 불가능했습니다. 다른 미니멀리스트들이 사라져가는 동안 몬드리안은 더욱 세련되게 다듬어져갔습니다.
몬드리안은 선구적인 예술가라면 지니는 섬세함으로 작품을 창조했고, 26 Rue du Depart in Paris에 있는 그의 스튜디오에서 모든 연습이 이루어졌습니다. 두 개의 커다란 창문으로 들어온 엄청난 자연광은 불규칙한 다섯 면의 방을 비췄으며, 레드나 블루처럼 극명한 단색이 아닌 이상 구분이 안 될 정도로 밝았다고 합니다. 그의 작업실은 단순히 그림을 그리는 곳이 아니라 그림 자체의 연장선이었고, 색과 선의 조화로운 구성에서 자신을 온전히 놓아버릴 수 있는 이상적인 공간이었습니다.
첫 공개작임에도 불구하고 몬드리안의 선과 색은 실제 손으로 그려졌습니다. 시간이 지남에 따라 붓놀림은 신중하고 의도적이었으며, 결국 단단한 평면의 모습을 만들어냈습니다. 그 접근법은 조심스럽고 명상적인 것이었는데, 캔버스에 검은 직선이 먼저 칠해지고, 이어 컬러 컷아웃이 적용되어 조화가 이루어질 때까지 배열되다가 제거 후 해당 원색의 페인트로 대체되었습니다. 각 작품 완성에는 몇 주, 심지어 몇 달이 걸렸습니다.
몬드리안의 그림에 대한 독특한 접근은 현대 미술이 무엇을 할 수 있고, 무엇이 되어야 하는지에 대한 규칙을 다시 쓰려는 그의 의지를 보여주었습니다. 그 이전의 다른 훌륭한 예술가들과는 달리, 몬드리안은 그의 캔버스를 스튜디오의 중앙에 있는 책상 위에 평평히 놓아 수평으로 그림을 그렸으며, 이는 은유적으로나 문자 그대로 그림에 대한 그의 새로운 관점을 드러냅니다. 이 기술은 몬드리안이 뉴욕에 있는 그의 두 번째 스튜디오에 포스트-표현주의 예술가들을 초대하기 시작했을 때뿐만 아니라 20세기 예술에 중요한 역할을 했습니다. 머지않아 Pollock, Rothko 그리고 다른 기념비적 미국 화가들은 몬드리안의 기법을 모방해 그림이 성취할 수 있는 것에 대한 지평을 더욱 혁신하고 넓혔습니다.
몬드리안의 주요 작품에서 더 깊은 의미를 찾는 것은 색에 대한 공통된 문화적 이해로 인한 접근이 쉬운 동시에 도전적인 과제입니다. 몬드리안은 그 스스로가 이분법의 대표적인 예로 볼 수 있는데, 자신의 작품에 대한 철학적인 탐구로부터 공공연한 의문을 품는 한편, 혼란스러운 우주로 본 것에서 질서를 형성하는 그의 영적 항해에서도 공공연히 영감을 받았기 때문입니다. 그러나 몬드리안의 작품이 예술가, 디자이너, 건축가, 그리고 그의 그림을 영감으로 이용하는 등 모든 유형의 창조물에 끼친 지속적인 영향은 부인할 수 없습니다.
몬드리안은 그의 경력 후반부에 이르러 그림에 의미를 더 효과적으로 적용할 수 있었고, 그의 문체가 이야기의 가장 외향적인 형태와 어떻게 조화를 이룰 수 있는지 더욱 분주히 탐구했습니다. 뉴욕에서, 몬드리안은 그가 평생 사랑했던 재즈와 부기 우기 사운드의 영향을 많이 받았습니다. 그가 그곳에서 제작한 캔버스는 도시의 역동성과 음악적 리듬을 불러일으켰고 네온이 비치는 격자 모양의 도시들을 닮아 음악과 색상을 결합한 그의 독특한 스타일에 공감각적 느낌을 부여해 주었습니다.
피에트 몬드리안이 그의 상징적인 파리 스튜디오와 뉴욕에서 제작한 그림은 구상미술에서 급진적으로 벗어난 것만 이거나, 추상화에 대한 새로운 접근법만은 아니었습니다. 그것들은 오늘날 우리가 알고 있는 현대 시각 문화의 출발점이었고, 어쩌면 20세기의 모든 비구상적 미술이 몬드리안의 검은 선과 순수하고 섞이지 않은 색의 일차적인 블록으로 되돌아가는 것을 넘어서는 의미였습니다. 몬드리안의 미니멀리스트 미학은 넓게 영향을 미치며, 한 세기의 핵심 디자인 미학이 되어 건축 양상으로 나타났으며, 중세기의 그래픽에 영감을 주었으며, 심지어 패션쇼와 오뜨 꾸뛰르 패션에까지 영향을 주었습니다. 몬드리안의 심플함에 대한 추구와 예술적 조화의 본질을 통해 우리가 알고 있는 세상은 새롭게 색칠되었다고 감히 말할 수 있습니다.
