完美邂逅
自古以來，人類一直以最神秘的方式試圖解開宇宙的奧秘——充滿魅力的藝術和科學的探究能力；兩者的結合，讓我們發掘了在這些領域中令人著迷的原素，從而掌握住美麗的力量。透過美學的衝擊和科學的啟發，這些奧秘終將被揭曉，好奇無比又熱情洋溢的人絕對可以因此找到樂趣。藝術與科學兩派的實驗，輔以精密計算和不同的展示，再併合結果並為我們闡明，迄今為止有哪些事物仍然是謎；而藝術，就是我們展示新知識的方式。
自古希臘以來，「technique」與「technology」兩者在語意學上的重疊，就定奪了藝術作為一種工具的演變：「Technê τέχνη」被翻譯成「藝術」或「手工藝」，同時也是技藝「technology」的字源。語意上的微妙，反映了藝術作為一種技能的發展，如陶器、雕塑，和奠基了其餘手工藝顏料或色彩運用理論，這些都為古代的傑作鋪平了道路。隨著藝術發展成二維，運用線性與幾何形狀，與利用科學協助繪畫、素描和製作現代藝術，兩方面都同等重要。
文藝復興時期是由各種類的珍品奇玩構成的。15世紀時的歐洲，探究力與創造力同時迸發，因為當時的知識份子竭力解開醫學、音樂、藝術和算術的謎題；為了解決這些難題，人們開始將藝術直覺與精密的觀察結合。這種意念的統一成為這個關鍵時期的領導力量，並為其後歷史上的批判思維奠定了基礎。
為此，藝術一直受到科學的影響；今天所有的科學和藝術，都始於文藝復興時期，並以達文西無止境地挑戰宇宙最大的無解題為終。作為一位敏銳的世界觀察者，他將這種對世界的迷戀化成自己的作品。正如Walter Isaacson的權威傳記所言，達文西充沛的好奇心令科學成為他的熱愛對象，圍繞著萬有引力和人性，差不多瀕臨癡迷的邊界。他收集大量機器和哺乳動物的動作和聲音，甚至是分娩時母體體內的運作，並發現了航空、音樂和醫學方面的突破；如果不是達文西的癡迷，這些突破不會早在這時候出現——甚至比伽利略還要早一個多世紀。達文西不斷進行實驗和建立理論，尋找生活節奏中的模式。
藝術、科學，以及人性的緊密交錯，使他的作品完全捕捉了他的本質，讓我們窺探他的世界。他不止息的好奇心更促成了與數學家Luca Pacioli的合作，成為米蘭公爵Duke Ludovico Sforza的被贊助者。Pacioli是早期的會計和如今所謂的複式簿記，負責教授達文西數學，在後者理解比例和對稱時發揮極大影響力。兩者的合作成果是著名的Divina Proportione，這本書以達文西設計的、以科學為基礎的繪畫和素描為例，探討了藝術中完美比例的理念。
這種二重性令觀眾相當滿意，同時也代表了文藝復興時期滿足好奇心的價值。因為他跳脫的思維，並且看到藝術與科學之間的共鳴，所以他的才華一直到今天，仍然受到追捧及尊重。
Helen Birch Bartlett Memorial Collection, 1926.224.© 2019.
圖片：©The Art Institute of Chicago / Art Resource, NY/ Scala, Florence。
文藝復興時期培養出來的跨界別思維，被推進到了現代，最終造就了19世紀後期突破性的藝術可及性。隨著化學不斷發展，藝術家每天都能用到新材料，為使用不同技術進行實驗提供了一片新天地。同時，科學家試圖盡量以數學公式解釋天下萬物；於是有一段時間，世事似乎都能夠解釋，包括人們接觸藝術時的感受。
19世紀時，Georges Seurat對色彩運用理論產生了興趣，終於帶來了既簡單又具革命性的結論。那段時間，科學家都在論證人類的眼睛如何感知一種顏色與該色素周邊的關係，然後發現紫色並不一定需要由紅藍兩色混合而成，因為只要將這兩種顏色以點列方式並排，就可以實現相同效果。Georges Seurat認為，這種點列形式的紫色，比起紅藍混合的紫色更有動力和活力，因為這種紫色是由凝視其畫作的人在腦海中創造的。雖然這門學說最終被證明是錯誤的，卻絲毫不損Georges Seurats畫作的魅力，因為在他的畫作中，點與點之間的空間形成了穿透畫布的光芒。這種技術後來被稱為「點描法」——用彩點堆砌的畫；或者更準確的「分光法」——將顏色分隔，而Georges Seurat則稱他的作品為「Chromoluminarism」。不管這些詞彙背後有甚麼意義，這種風格都引領著藝術發展的新動向；為色彩賦予新面貌，並以大膽的技術及清晰的革新目光引起迴響。
以20世紀的繪畫史為基礎，21世紀的技藝已發展到可讓藝術品移動。Alexander Calder和Naum Gabo的作品，將充滿動感的形態從畫布轉化成雕塑，最後將這個意念抽象化。
Linear Construction in Space No.2就是一個很好的例子，Naum Gabo在早年受到日益強大的革新思潮論述影響，他為此創作了可移動的雕塑，闡述這個變化的構造。這項工作反複製作了20次，利用尼龍纖維捕捉移動的光線；當中的許多版本都曾在世界著名的博物館中展出，為未來的動態互動藝術奠定了基礎。
Alexander Calder也了解動力的價值，並以工具製作和創意為根基，與美國加州的藝術與工藝運動結合；開發具科學功能的動態雕塑，以一套有效系統去測試各種動力，並將成果成功實現。
圖片：©Christie's Images, London/Scala, Florence.
對當代藝術家而言，當今日新月異的科學發展，代表著綿綿不斷的靈感源泉，令一些在數十年前被斷定為不可能的作品成真。現在，這些以前難以想像或被認定不可思義的創意藝術品，以挑戰人類身心、及超越人類局限的姿態，紛紛成為現實。
藝術家Fabian Oefner提供「看得到」的聲音。為了將聲波轉變為視覺藝術作品，他專注於聲音的動態以及如何為其賦予生命。他將帶有微小晶體的薄塑膠箔貼在喇叭上，讓聲音的動態決定作品的藝術效果。水晶陪隨著流傳的聲音彷彿被注入生命，呈現出不斷變化的韻律。
Paul Coudamy的作品LIVING CELLS，完美展現了科學的力量。這件於2017年Art Basel in Basel展出的藝術品，是這位藝術家與La Prairie合作的成果；以漆鋼和磁鐵構成的幾何造型，是根據被稱為Weaire-Phelan的數學公式精確計算。LIVING CELLS的組成，必先要為每顆珠子及其周邊空間造型，並按照編號模型，利用數碼折疊及激光切割鋼材，最後以手工焊接組成作品。讓人聯想到魚子的閃亮黑色磁化大理石，似乎主宰了這件簇聚型作品，像活體一樣散佈在靜態骨架上。雖然這件作品的總體積是恆定的，但由於大理石的磁性關係，其形態卻一直在變動。正如創作者所言：「LIVING CELLS的概念，是要自然、幾何學和科學三者對抗。」
在21世紀的數碼時代，藝術與互聯網的交集不僅無法避免，而且越來越廣泛。互聯網對數碼藝術創作的影響持續增長，許多藝術家；或被稱為算法家；以電腦利用互聯網和演算法共同創作，並被視為算法藝術。儘管早於1980年代的分形藝術作品、1960年代的電腦啟發靈感藝術、以至東方的瓷磚圖案都與此創新運動相關，然而最終依靠電腦的演算法生成設計，是在1995年的一次會議後才得以實現。算法藝術作品通常在電腦屏幕上展示，並使用相同的建造和顯示機制，對自己的形式進行整合分析。
算法家始創人Jean-Pierre Hebert，一直站在這個風潮的最前線，早於90年代中期，他已利用沙和其他臨時材料創作，後來又以電子表格和數據集取代油漆和畫布。隨後，他更將從各類調查或消費者行為中收集的參與度數據，利用複雜的開採軟件進行轉化；當時這個軟件是一眾科學家和新聞工作者都在使用的。這些方法論論證了21世紀不斷變化的分析世界，促進了現代形式的個人表達；利用機器人學和數據視覺化創作藝術，揭露人類的真相。
Refik Anadol是另一位具革新看法的藝術家，他的作品「Melting Memories」將捐贈者記憶的大腦掃描同步到他的電腦上，並將其視覺化；結果令人瞠目結舌，將人類行為和科學結合後，這些記憶圖象在不斷變化和重新排列，重新獲得生命。
21世紀的算法藝術在許多方面都源於文藝復興時期的問題：我們是誰？我們為甚麼重要？宇宙無盡的故事要靠科學揭示，而藝術讓它們得以充實。藝術與科學間這種相互關係是一種巨大影響力的結果；這種非凡的協同作用，讓語言學問題視覺化，去解釋我們所能僅僅觸及的對現實的理解，藉此創造美麗。無名的詩歌由此誕生，讓我們的問題可以在這些優美的幻變中，慢慢尋找答案。
